岡山芸術交流 2025 OKAYAMA ART SUMMIT

1964年生於法國。現居巴黎從事創作活動。
作品橫跨電影、素描、文字等多種媒介，廣受高度評價。
帕雷諾將展覽視為一種媒介，並將其構築過程置於創作的核心位置，嘗試從根本上重新定義展示的體驗。他不將展覽視為單一作品的集合體，而是不斷在探索將展覽視為一個完整連貫的藝術作品的可能性。
在日本，個展《這個地方，那片天空》於2024年在箱根的POLA美術館舉辦。
其他近年的主要展覽包括： 2025年「Haus Der Kunst」（慕尼黑） 2024年「VOICES」（首爾，三星美術館Leeum） 2023年「Marilyn」（慕尼黑，路易威登空間） 2022年「Echo2: a Carte Blanche to Philippe Parreno」（巴黎，皮諾收藏，商品交易所 圓廳） 「La Quinta del Sordo」（馬德里，普拉多博物館） 2019–2020年「A Manifestation of Objects」（東京，Watari-um美術館） 2017年「Synchronicity」（上海，外灘美術館） 2016年「Anywhen, Hyundai Commission 2016」（倫敦，泰特現代美術館，渦輪大廳） 2015年「H {N}Y P N{Y} OSIS」（紐約，公園大道軍械庫） 2014年「The Illusion Of Light」（威尼斯，皮諾收藏，格拉西宮） 2013年「Anywhere, Anywhere Out Of The World」（巴黎，東京宮） 2012年「Philippe Parreno」（巴塞爾，貝耶勒基金會）等。 他的展覽遍及歐洲、美國、日本、韓國及亞洲多國的重要美術館與藝廊。
在岡山地區，2014年他也參與了作為「歷史街區漫遊社會實驗」的一環舉辦的當代藝術展「Imagineering OKAYAMA ART PROJECT」，以及2016年的「岡山藝術交流」活動。

舍赫拉查德・阿卜德爾伊拉・帕雷諾是一位以巴黎為據點的藝術總監兼創意顧問。她曾修讀應用美術，於2004年從知名的ESAG Penninghen設計學院畢業。畢業後，她在洛杉磯的電影製片廠開啟了視覺傳播領域的職業生涯，隨後在上海和巴林工作過，最終回到巴黎。她在時尚與奢侈品交會的領域深耕20年，遊走於二維與三維設計之間，為這兩個領域的創意大師提供諮詢建議，並在模式辨識、空間記憶、比例掌控及視覺呈現等方面展現出獨特才華。在離開公共空間、室內設計及時尚產業後，阿卜德爾伊拉對人類體驗及其所處環境產生了更深層次的興趣，進而開始探索人類最本質的「織物」——皮膚的領域。2018年，她開始研究人體結締組織的空間效應。她對新技術及其對生物的影響充滿熱情，尤其關注NASA及面部重建專家所採用的微電流技術及其正面特性。在倫敦和巴黎經過嚴格學習後，她在巴黎市中心創立了MOMO Skin Studio。這是一家關注心靈平靜與外在景觀的表皮（即面部）之間心理連結的先鋒機構。帕雷諾與時尚界藝術界最知名的人物們保持合作，持續為業界帶來靈感。

瑪麗・安潔蕾蒂跨越雕塑、影像、攝影、繪畫、裝置等多種媒介，其自由奔放的創作與日常經驗中潛藏的偶然或不可預期之事相呼應。她的作品生動鮮明地處理空間、時間、動態與人類身體，從其中孕育出遊戲感覺。安潔蕾蒂的藝術專案傾向於拒絕某種最終定型的完成形態，有時會隨著展覽的重複而持續變化。其作品接納創作過程中的脆弱性，並藉此貼近生與死的存在狀態。

瑪麗・安潔蕾蒂是一位法國藝術家，現居紐約。她近年來的展覽包括：Gaylord Apartments（洛杉磯、2024年）、Lars Friedrich（柏林、2024年）、Koelnischer Kunstverein（科隆、2023年）。此外，她的創作也曾在當代版畫中心（日內瓦、2021年）、巴黎市立現代美術館（巴黎、2017年）、不來梅藝術家之家（不來梅、2015年）、當代藝術中心（第戎、2015年）、格拉魯斯美術館（格拉魯斯、2021年）、蘇黎世美術館（蘇黎世、2016年）、Reena Spaulings（紐約、2023年）、Edouard Montassut（巴黎、2020年）、Castillo/Corrales（巴黎、2014年）、Greene Naftali（紐約、2018年）等地展出。

冈山艺术峰会2025策展人。瑪汀・德安格萊揚＝恰蒂隆是一位以倫敦為據點的創意製片人，活躍於藝術、電影、時尚與科技的交叉領域。她曾參與社會實驗兼電影巨作《DAU》、拉斯維加斯球形劇場Sphere開幕演出U2演唱會，以及Louis Vuitton的大型時裝秀等文化界最具突破性與前衛精神的項目。2004年，她成為倫敦托馬斯・丹畫廊Thomas Dane Gallery的創始合夥人，專注於電影、影像及數位模擬領域。她被菲利普・帕雷諾任命為岡山藝術交流2025的策展人，目前正參與帕雷諾的長篇電影製作。2021年，她創立MDAC Productions，協助國際知名藝術家進軍藝術相關周邊產業。此外，她還擔任倫敦薩默塞特宮及21世紀藝術機構基金會（Art Institutions of the 21st Century, AI21C）的董事，該基金會主要支持AI時代藝術機構的角色、意義與功能相關研究。

阿爾卡的作品具有超越性與突破性，在藝術家與藝術、人類與科技、前衛與流行，以及音樂、視覺藝術和時尚等領域之間，打破了長期以來被視為不可逾越的障壁，留下不可磨滅的印記。2021年推出的KICK系列標誌阿爾卡職業生涯的新階段，使她從實驗性叛逆者的偶像躍升為全球文化現象與拉丁美洲音樂的先鋒。此後，她獲得兩項拉丁葛萊美獎提名與一項葛萊美獎提名。她曾與尚-保羅・高提耶、LOEWE、Acne Studios、Dior、Proenza Schouler、Reebok、Byredo、Ray-Ban、Bottega Veneta、Mugler等品牌合作，並參與作曲創作。此外，她還為女神卡卡、貝弗利·格倫-科普蘭、蘿瑞·安德森的樂曲製作混音，並在巴塞隆納與巴黎的碧昂絲「文藝復興世界巡迴演唱會」、巴塞隆納的瑪丹娜演唱會及紐約LadyLand音樂節登台演出。2023年秋季，她在紐約公園大道軍械庫進行駐村表演「變異;毀滅」（Mutant;Destrudo）。2024年3月，她在巴黎商品交易所表演作品「光明以聲音之名降臨」（The Light Comes in the Name of the Voice），並在家鄉委內瑞拉加拉加斯舉辦首次個人專場演出。隨後，她與委內瑞拉的朋友及DJ合作，在Boiler Room上的演出引起廣泛關注。2019年，阿尔卡展開新的探索，運用創新型AI軟體與菲利普・帕雷諾、尼古拉斯・貝克爾合作，為紐約現代藝術博物館（MoMA）新大廳打造了一件具有自動生成特性的作品。

小說家。
2009年以處女作《流跡》出道，2010年憑該作榮獲第20屆Bunkamura杜馬戈文學獎，成為該獎史上最年輕得主。2011年以《貴子永遠》榮獲第144屆芥川獎。

2012至2014年間，她參與國東半島藝術計畫，與飴屋法水合作發表演出作品《入口出口》。2022年於「重生藝術節Reborn-Art Festival 2021-22」中，與畫家弓指寬治共同了創作裝置作品《游泳小鎮》。

阿尼爾班・班德約帕德赫亞是位於筑波市的日本國立研究開發法人物質材料研究機構（NIMS）的主任研究員。2004年至2005年，他在印度加爾各答科學培育協會（IACS）從事超分子電子學與多層級轉換研究，並獲得博士學位。他創造性地開發出基於共振鏈的完整人腦模型，並提出以填補共振鏈空缺為核心的替代性人腦圖譜。他的研究團隊為未來型機器人設計並合成出能夠自我學習、程式設計與解決問題的有機腦膠體，以及可自主編寫複雜代碼的軟體模擬器。著作包括《奈米大腦：從時間晶體製造人工大腦》（Nanobrain: The Making of an Artificial Brain from a Time Crystal，2020年）。

尼可拉斯・貝克爾是電影音效界的全能創作者，身兼音效工程師、聲音設計師、擬音師與作曲家多重身份。他曾參與多部得獎電影的音效製作，包括阿方索・柯朗執導的《地心引力》（2013年）、亞力克斯・嘉蘭執導的《人造意識》（2014年）、丹尼・維勒納夫執導的《異星入境》（2016年），以及阿利安卓・崗札雷・伊納利圖的《巴爾多，虛構與真實的模糊邊界》（2022年）等作品，於全球影壇備受矚目。貝克爾憑藉達瑞斯・馬德爾執導的《金屬之聲》（2019年）榮獲奧斯卡最佳音效獎。他熱衷於採集聲響，累積了龐大的音效資料庫，為創作提供豐沛素材。在聲音設計領域，貝克爾精心建構獨特的聲響架構，其手法更與當代藝術領域密切相關。

詹姆斯・欽倫德是一位屢獲殊榮的美國藝術總監，以擅長建構長篇電影與電視劇的世界觀聞名。著名作品包括《新蝙蝠俠》（2022年）、《獅子王》（2019年）、《猩球崛起2：黎明的進擊》（2014年）以及《噩夢輓歌》（2000年）等。他還為Louis Vuitton、CHANEL、Nike、Apple等品牌設計過影片、平面廣告與時裝秀。目前正參與製作《新蝙蝠俠2》以及由本尼・薩夫迪與菲利普・帕雷諾執導的長篇電影。

瑪麗・海倫娜・克拉克是一位綜合運用影像、聲音、雕塑與攝影進行創作的藝術家。她的作品植根於實驗電影，常結合蒙太奇與散文式表達，質疑人類與動物、人工與自然、理性與荒誕之間被建構出的差異。她近年展覽包括：「傳送帶Conveyor」Bridget Donahue藝廊（紐約、2023年）、「身邊的動物Neighboring Animals」Cushion Works（舊金山、2023年）、「綠蔭A Green Shade」麻省理工學院李斯特視覺藝術中心（劍橋、2019年）、「開箱：故弄玄虛Unboxing：Doublespeak」底特律當代藝術博物館（底特律、2019年）、「A Casual Pincer」AWHRHWAR（洛杉磯、2019年）、「Audible Bacillus」Ezra and Cecile Zilkha藝廊（衛斯理大學、米德爾敦、2019年）。她的作品曾在日舞影展、鹿特丹國際影展、紐約影展、多倫多國際影展、香港國際電影節、法國真實影展及2017年惠特尼雙年展等多個國際電影節與展會上映。

芙烈達・埃斯科貝多於2006年在墨西哥城創立了自己的同名建築事務所。該事務所憑藉在母國一系列競賽中獲獎奠定優勢，逐步發展壯大，自2018年獲得倫敦肯辛頓花園年度蛇形藝廊臨時展亭的榮譽性委託後，開始享譽全球。從建築物、實驗性保護計劃到臨時裝置、公共雕塑、藝術裝置、出版物與展覽設計，她的設計實踐跨越多種尺度與表現方式，打破了傳統的學科疆界。2021年，埃斯科貝多被紐約大都會藝術博物館任命為新現當代藝術區翼樓的建築設計師，成為該館史上最年輕的首位女性建築師。此外，她的事務所還被選為負責龐畢度藝術中心2030年翻新工程的設計團隊之一，與Moreau Kusunoki建築事務所合作。身為建築師，埃斯科貝多屢獲殊榮，除建築實務外，她也在美國著名大學的研究生院擔任課程。

FABRYX是一個分散式礦物藝術公會，其使命是如同亞馬遜薩滿巫師與植物對話般，實現人類與礦物的交流。該公會成員涵蓋藝術家、工程師、設計師、策展人、音樂家、科學家、律師，以及各類傳統知識的直系傳承者。FABRYX結合古代建築與現代運算的巨石文化與微觀藝術的智慧，通過激發創造性洞見賦予治癒能量。
公會駐地設於法國巴黎以西一小時車程的鄉村Les Roseaux的舊煉銅廠，成員們在此參與駐村計畫與靜修方案，並開發出一個融合礦物領域與視角的創新實驗方案——「礦物蒂耶塔（Mineral Dieta）」。該方案由儀式化的排毒與再礦化過程構成，通過採用人工智慧的生物回饋技術與客製漂浮艙「Argo」進行長時間沉浸式體驗激活。

「礦物蒂耶塔」所生成的數據用於訓練基礎AI模型，以支持消費者產品，讓使用者探索意識變異狀態與夢境體驗。該公會的大部分研究成果均爲開源，並為法國一所招收3至12歲兒童的實驗性學校提供支持。此外，他們更策劃基於這些方案與產品衍生的展覽。

1971年生於日本北海道。
畢業於東京大學工學部建築學科，2000年創立藤本壯介建築設計事務所。2014年榮獲法國蒙彼利埃國際設計競賽首獎（白樹大樓L'Arbre Blanc），之後於2015、2017、2018年分別於歐洲多國之國際競圖中摘得桂冠。於日本國內，他擔任了2025年日本國際博覽會會場設計總監，2024年亦被選為「（暫稱）國際中心車站北地區複合設施基本設計」之主設計者。

主要作品有：布達佩斯音樂之家House of Music（2021年）、石卷市綜合文化設施丸木石卷藝術露臺（2021年）、白井屋飯店（2020年）、白樹大樓L’Arbre Blanc（2019年）、倫敦蛇形藝廊臨時展館（2013年）、House NA（2011年）、武藏野美術大學 美術館與圖書館（2010年）、House N（2008年）等。

西普瑞安・蓋拉德是一位以柏林與巴黎為據點的藝術家。他的主要個展包括：東京宮與老佛爺藝術中心（巴黎、2022年）、盧瑪基金會（亞爾、2022年）、森美術館（東京、2021年）、上海油罐藝術中心（上海、2019年）、Accelerator Konsthall（斯德哥爾摩、2019年）、丁格利博物館（巴塞爾、2019年）、K20北萊茵-西發利亞藝術收藏館（杜塞道夫、2016年）、尤利婭·斯圖瑟克收藏館（杜塞道夫、2015年）、MoMA PS1（紐約、2013年）、漢默博物館（洛杉磯、2013年）、尼古拉・特魯薩爾迪基金會（米蘭、2012年）、Schinkel Pavillon（柏林、2012年）、龐畢度藝術中心（巴黎、2011年）、KW當代藝術中心（柏林、2011年）、巴塞尔藝術展（巴塞尔、2010年）。

主要聯展包括：貝耶勒基金會（瑞士、2024年）、卡米尼亞克基金會（波克羅勒、2022年）、赫爾辛基當代美術館（赫爾辛基、2022年）、東京宮（巴黎、2021年）、尤利婭·斯圖瑟克收藏館（柏林、2021年）、GAMeC（貝加莫、2021年）、漢堡火車站（柏林、2020年）、第58屆威尼斯雙年展（2019年）、梵高基金會（阿爾勒、2019年）、克利夫蘭三年展（2018年）、格羅皮烏斯博物館（柏林、2018年）、路易威登基金會（巴黎、2018年）、ARoS三年展（奧胡斯、2017年）、紅磚美術館（北京、2017年）、赫希洪博物館與雕塑園（華盛頓特區、2017年）、海沃德畫廊（倫敦、2016年）、第13屆里昂雙年展（2015年）、第54屆威尼斯雙年展（2011年）、光州雙年展（2010年）及第5屆柏林雙年展（2008年）。

出生於英國切斯特，目前以倫敦與薩福克兩地為據點從事創作活動。
他於2022年當選英國皇家藝術學院正會員（雕塑部門），2019年榮獲軍械庫藝術展波馬利獎，2017年獲頒大英帝國勳章，2009年獲得蘇黎世藝術獎。
作為新世代觀念藝術的實踐者，甘德以其多元創作風格聞名。他的作品題材廣泛，從日常用品汲取靈感的裝置、語言啟發的構想，到關於文化差異的探討，均呈現藝術作為感知入口、 啟發新認識的潛力。於「岡山藝術交流2016開發」中，他曾展出一件“墜落的隕石”般的作品，不但引起藝術愛好者廣泛注目，還得到了一般市民的關注。

代表展覽包括：「萊恩・甘德：你讓我完整」@箱根POLA美術館（神奈川、2025年）、 「一起，但不一樣Together, but not the same」@福岡醬油畫廊（岡山，2025年）、 「咕噥、咆哮、嗚咽、吠叫與尖叫Grunts, hoots, whimpers, barks and screams」赫爾加・德・阿爾韋亞爾現代美術館（卡塞雷斯，2024年）、 「萊恩・甘德：我們時代的標識」東京歌劇城美術館（2022年）、 「五億年的合作The 500 Million Year Collaboration」伯恩藝術館（伯恩，2019年）、「萊恩・甘德—這對翅膀不是用來飛的」國立國際美術館（大阪、2022年）等。
他亦曾加了第10屆利物浦雙年展（2018年）、第12屆哈瓦那雙年展（2015年）、第9届上海雙年展（2012年）、卡塞爾文獻展13（2012年）、第54屆威尼斯雙年展（2011年）等多場國際展會。

利亞姆・吉利克1964年出生於英國艾爾斯伯里，現於紐約創作與活動。
他是一位定居紐約的藝術家，運用裝置、影像、聲音等多種形式創作，同時他還是一位優秀的理論家、策展人與教育家，他撰寫論文和教材、演講、策展及參與項目合作，活躍領域十分廣汎。吉利克的作品反映了後工業時代經濟、勞動與社會組織美學等生產條件的變化，揭示全球化新自由主義共識下，現代主義遺產在抽象與建築的功能失調，並延伸至對展覽這種形式的結構性反思。自2000年代後期以來，他製作了多部短片，如《臨界時刻Margin Time》（2012年）、《天堂湖The Heavenly Lagoon》（2013年）及《漢密爾頓：利亞姆・吉利克的影片》（2014年），從當代藝術家作為文化人物的變動性出發，探討創意人物形象的建構。2016年3月，哥倫比亞大學出版社出版其著作《工業與智慧：1820年以來的當代藝術》。

吉利克屢次參與重量級展覽，包括卡塞爾文件展、威尼斯、柏林、上海及伊斯坦堡等各地雙年展等，2009年更代表德國參加威尼斯雙年展。他的個展曾在芝加哥當代藝術博物館、紐約現代藝術博物館及倫敦泰特美術館等地舉辦，作品獲龐畢度藝術中心、紐約及畢爾包古根漢美術館、紐約現代藝術博物館等頂尖機構典藏。過去25年，吉利克還是一位活躍於當代美術領域的作家和評論家，他為《藝術論壇》、《十月》、《Frieze》及《e-flux雜誌》撰稿，並出版多部著作，包括他的評論選集。為倫敦英國內政部大樓及法蘭克福漢莎航空總部等公共空間創作的作品亦廣受矚目。近年更拓展實踐維度，與菲利普・帕雷諾、勞倫斯・韋納、路易絲・勞勒、亞當・彭德爾頓等合作，與搖滾樂團New Order在曼徹斯特、都靈及維也納共同舉辦音樂會，積極投入實驗性藝術與跨界合作。

霍莉・赫恩頓與馬修・德里赫斯特是以機器學習、軟體開發及音樂領域的開創性實踐聞名的藝術家組合。他們開發出自己的技術與他人技術共存的系統，通常聚焦於數位身份與聲音的所有權及擴展。這些技術框架不僅跨越媒介實現多樣化創作，其本身也被視為一種藝術作品。2024年，他們在蛇形畫廊舉辦個展「The Call」，並參加了惠特尼雙年展。他們共同創辦Spawning，致力於建構公共領域AI模型與數據基礎設施。他們的音樂作品通過4AD與RVNG Intl發行，廣受好評。霍莉擁有斯坦福CCRMA計算機音樂博士學位，馬修則主要自學成才。二人曾在紐約大學、歐洲高等學院及博古睿研究院安提凱希拉Antikythera計劃中任教，並獲得2022年電子藝術節數位藝術啟動獎及2024年奧地利首個數位人權獎。霍莉・赫恩頓現爲柏林藝術研究計畫（2024/2025年度）之研究員。

1988年以NHK電視劇《海之群星》正式出道。1993年於日本電視台連續劇《她討厭的她》中首次擔綱主演。1997年為宮崎駿導演的吉卜力動畫電影《魔法公主》中女主角小桑配音。自出道以來，出演多部影視作品，亦涉足寫作與音樂等諸多領域，活動廣泛。

近年主要作品包括：TBS日曜劇場《再見指揮家～父親和我的熱情～》（2024年）、NHK晨間劇《如虎添翼》（2024年）、電影《TOKYO MER：行動急救室 南海任務》（2024年8月1日上映）等。

ISOLARII是一家總部位於紐約與倫敦的媒體公司。自成立以來，該公司一直因其試圖突破文學領域的美學、傳播方式及目標等既有觀念的嘗試而備受關注。ISOLARII 出版的書籍呈現當代眾多最前衛的團體與人物，其出版作品的作者包括殘雪、斯科拉斯蒂克・姆卡松加、羅伯特・庫佛、亞特・史畢格曼及愛德華・格里桑等。2020年下半年起，ISOLARII推動環境倡議《Salmon: a Red Herring》（鲑魚：障眼法），在歐洲發行女權抗議活動象徵的《F-Letter》，並製作從基輔向全球同步發布的戰地報導《War Diary》（戰爭日記）。在本次岡山藝術交流2025中，ISOLARII將出版《Decreation》一書，首度編纂了西蒙娜・薇依自1933年起至1943年辭世前所撰寫的全部筆記。

亞歷山大・康第是一位以法國巴黎為據點活動的觀念藝術家。他擁有紐約巴德學院的學士學位及倫敦皇家藝術學院的碩士學位。主要參與展覽包括「Air de Repos (Breathwork)」CAPC波爾多當代美術館（波爾多、2024年）、Maureen Paley（倫敦、2024年）、Shivers Only（巴黎、2023年）、LUMA（亞爾、2021年）。即將於Sweetwater（柏林、2025年）舉辦個展。

李美來是一位以創作破敗、荒謬且不穩定的動態雕塑裝置而聞名的藝術家，她的作品挑戰了自我認同、社會接納度及潔净度的概念，在其令人興奮且具創造性的動態的技術面前，社會對美學與欲望的固有習慣被悄然打破。最近個展包括：「黑日Black Sun」新博物館（紐約、2023年）、「載體Carriers」Tina Kim Gallery（紐約、2022年）、「看，我是一座污穢噴泉為愛瘋狂 Look, I'm a fountain of filth raving mad with love」ZOLLAMT MMK（法蘭克福、2022年）、「載體Carriers」Art Sonje Center（首爾、2020年）。此外，她被選為2024年10月開幕的泰特現代美術館渦輪大廳（Turbine Hall Commission 2024）委任藝術家。

漢斯・烏爾里希・奧布里斯特現任倫敦蛇形藝廊藝術總監及亞爾LUMA盧瑪藝術中心資深顧問。自1991年舉辦首場展覽「世界之湯（廚房展）」World Soup (The Kitchen Show)以來，他策劃超過了350場展覽。其中最重要的策展項目包括「Do It」系列（1993年至今）、「Take Me（I'm Yours）」（倫敦1995年；巴黎2015年；紐約2016年；米蘭2017年）、第14屆威尼斯國際建築雙年展瑞士國家館（2014年）等。他還聯合策劃「移動中的城市Cities on the Move」（1996-2000年）、「Laboratorium」（1999年）、歌劇群展「Il Tempo del Postino」（曼徹斯特2007年；巴塞尔2009年）、「第11、12、13、14、15個房間」系列（2011-2015年）。他近期展覽包括米蘭三年展恩佐・馬里回顧展（2020年）、梅斯龐畢度中心WORLDBUILDING（2023年）及尤莉婭・施圖瑟克收藏展（杜塞道夫、2022年）。他獲2011年CCS巴德藝術學院卓越策展獎、2015年國際弗柯望獎。最近，他獲美國評估師協會授予2018年藝術卓越獎。奧布里斯特在全球各地學術與藝術機構授課，並為多家雜誌與學術期刊擔任特約編輯。近期出版著作包括《我的策展之道》（2015年）、《極端自我：你的年齡》（2021年）、《140位藝術家對地球的想法》（2021年）、《愛德華・格里桑：群島》（2021年）、《詹姆斯・洛夫洛克：永恆的蓋亞》（2023年）、《毋忘夢想！》（2023年）、《人生進行時Une vie in progress》（2023年）等。

普雷舍斯・奧克約蒙是一位奈及利亞裔美國詩人及藝術家。他的作品探討自然界、移民與種族歧視的歷史、捕捉日常生活中純粹的喜悅。他曾在蘇黎世LUMA Westbau、法蘭克福現代藝術博物館、紐約表演藝術空間、阿斯彭藝術博物館、馬德里桑德里托・雷・雷包登戈基金會（Fundación Sandretto Re Rebaudengo）舉辦個展。他參與了多個國際藝術展會，包括第13屆波羅的海三年展（塔林，愛沙尼亞）、第58屆貝爾格勒雙年展（貝爾格勒，塞爾維亞）、第59屆威尼斯雙年展（威尼斯）、2022年岡山藝術交流（岡山）、第11屆序列雙年展（雷克雅未克）等。此外，他的作品亦於倫敦當代藝術學院（ICA London）、LUMA Westbau（蘇黎世）、Schinkel Pavillon（柏林）、LUMA Arles（亞爾）、東京宮（巴黎）、第60屆威尼斯雙年展奈及利亞館（威尼斯）、貝耶勒基金會（巴塞尔）等群展亮相。奧克約蒙的作品被法蘭克福當代藝術館與亞爾LUMA藝術中心永久典藏。他還是2021年弗里兹藝術博覽會藝術家獎及2021年香奈兒Next Art獎的獲得者。2024年，他出版了第二本詩集《But Did You Die?》，由蛇形藝廊與Wonder Press聯合發行。

韋雷娜・帕拉維爾是一位電影導演、藝術家與視覺人類學家。其創作將藝術所具備的「消極能力」（Negative Capability）、對人生流動性的民族誌式凝視，以及對當代生態與政治緊迫議題的關注，緊密結合。
自2006年起，她於哈佛大學感官民族誌實驗室（Sensory Ethnography Lab）與呂西安・卡斯坦因－泰勒共同創作，發展出重構當代藝術與人類學研究邊界的獨特紀錄片方法。

代表作包括：《外來零件Foreign Parts》（2010，描繪即將消失的紐約廢車場中的人物肖像）、《利維坦：地海之詩Leviathan》（2012，呈現人類與海洋資源掠奪的身體性影像體驗）、《夢囈Somniloquies》（2013，由全球最健談夢遊者的夢話錄音構成的影像散文）、《啊，人類！Ah Humanity!》（2015，以福島與人類的脆弱性為主題）、《Caniba》（2017，一部探討人類食人行為的沉思影像）、《人體結構De Humani Corporis Fabrica》（2023，融合解剖學、醫療與政治性身體的前所未有的影像肖像）等。

她的電影作品曾於柏林、坎城、洛迦諾、多倫多、威尼斯等國際影展放映，並被紐約現代藝術博物館（MoMA）永久典藏。此外，其作品亦曾亮相於威尼斯雙年展、卡塞爾文獻展第14屆、龐畢度藝術中心、泰特美術館、惠特尼美術館、巴比肯藝術中心、柏林藝術館（Kunsthalle Berlin）、MoMA PS1 等國際藝術機構。
她擔任哈佛大學客座教授，並於巴黎政治學院（Sciences Po Paris）政治藝術系任教，2023–24年間以駐村藝術家身份在法國勒・弗雷諾瓦國立當代藝術工作室「（Le Fresnoy）」进行创作。

瑞秋・羅斯現居紐約。她的作品探討了景觀與人類關係的演變如何形塑敘事與信仰體系。羅斯的電影創作不僅承襲電影變革的悠久歷史，更貢獻其個人的獨特創新。無論是低溫物理學、美國獨立戰爭或太空人的艙外行走，她的創作始終引導觀者關注那些崇高性與日常性界線模糊的空間與歷史。她將此探索延伸至繪畫、雕塑與素描領域，使它們在物質層面產生共振，並試圖連結從當下的瞬間直至百萬年尺度的時間維度等不同時間層次。她的個展包括：哥本哈根GL STRAND畫廊（2023）、聖塔菲SITE Santa Fe藝術中心（2023）、格萊斯頓畫廊（2023）、CC Strombeek（2022）、上海池社（2020）、老佛爺基金會藝術中心（2020）、弗里德里希美術館（2019）、LUMA基金會（2019）、費城藝術博物館（2018）、桑德里托・雷・雷包登戈基金會（2018）、布雷根茨美術館（2017）、波爾圖塞拉維斯當代美術館（2016）、阿斯彭藝術博物館（2016）、惠特尼美國藝術博物館（2015）、蛇形藝廊（2015）、里沃利城堡當代藝術博物館（2015）等。

迪米塔爾・薩塞洛夫是哈佛大學天文學講座教授，研究恆星與行星，並為哈佛「生命起源研究計畫」（Harvard Origins of Life Initiative）創始主任。其研究從早期宇宙的宇宙微波背景輻射生成，到地球生命起源的光化學實驗，探索光與物質的交互作用模式。二十餘年前，他與團隊運用創新技術發現多顆繞其他恆星運行的行星，其後更將此技術應用於NASA開普勒與凌日系外行星巡天衛星（TESS）任務，致力尋找類地行星。著作《超級地球的生命》（The Life of Super-Earths，Basic Books, 2012年）探討系外行星生命探尋的新方法。薩塞洛夫於1988年取得保加利亞索菲亞大學物理學博士，1990年再獲加拿大多倫多大學天文學博士。1999年獲選為阿爾弗雷德・P・斯隆研究員，重要榮譽包含兩度NASA成就獎、索菲亞大學榮譽博士、牛津大學阿斯特講席（Astra Lectureship）等，並曾於DLD會議、TED論壇與世界經濟論壇達沃斯年會發表演說。薩塞洛夫是哈佛大學生命起源計劃的創辦主任，這是一項整合物理與生命科學研究的跨領域研究。同時他亦為西蒙斯基金會「生命起源聯合研究計劃」共同創始主任。2023年，他推動國際「起源聯盟」（Origins Federation）成立並擔任董事至今。曾任哈佛拉德克利夫高等研究院的資深科學顧問，以及世界經濟論壇太空安全全球議程委員會成員。

提諾・塞格尔被譽為當代最重要藝術家之一，他以前衛的藝術實踐聞名，其創作的表達形式被稱爲「建構情境」。這種轉瞬即逝的美感在於短暫相遇的特殊性，作品中的“表演者”常常積極參與藝術情境建構，從而吸引並引導觀眾沉浸其中。他與菲利普・帕雷諾有著長期合作。塞格尔曾在德國埃森富克旺根藝術大學學習政治經濟學與舞蹈。其作品於國際上衆多個展及聯展中展出，著名的有貝耶勒基金會（巴塞尔、2024年）、Desert X AlUla（沙烏地阿拉伯、2024年）、博廷藝術中心（桑坦德、2023年）、加拿大溫美現代藝術館（薩斯卡通、2022年）、小田原藝術文化振興財團（小田原、2019年）、Officine Grandi Riparazioni（都靈、2018年）、V-A-C基金會（莫斯科、2017年）、貝耶勒基金會（巴塞尔、2017年）、傑馬夫納廣場（馬拉喀什、2016年）、東京宮（巴黎、2016年）、阿姆斯特丹市立博物館（阿姆斯特丹、2015年）、馬丁・格羅皮烏斯博物館（柏林、2015年）、聖保羅藝術館與里約熱內盧巴西中央文化中心CCBB（2014年）、尤倫斯當代藝術中心（北京、2013年）、泰特現代美術館（倫敦、2012年）、所羅門・R・古根漢博物館（紐約、2010年）、布雷根茨美術館（布雷根茨、2006年）等。

島袋道浩現居日本沖繩縣那霸市，是一位活躍於國際藝術界的日本觀念藝術家。自1990年代初以來，他遊歷世界各地，其作品深深植根於特定場域，關注當地居民的環境、生活與文化。他以探索新型交流方式的行為藝術、影像、雕塑及裝置作品聞名，部分創作更涉及人與生物之間的關係。其風格充滿詩意與幽默，以隱喻方式激發觀眾思考，備受國際藝術界讚譽。他主要的國際展覽包括第57屆威尼斯雙年展（2017年）、第14屆里昂雙年展（2017年）、第12屆哈瓦那雙年展（2015年）、第9屆台北雙年展（2014年）、第11屆沙迦雙年展（2013年）、第27屆聖保羅雙年展（2006年）、利物浦雙年展（2006年）、第11屆雪梨雙年展（1998年）。近年個展主要有西班牙博廷藝術中心（桑坦德、2024年）、義大利博爾扎諾當代美術館（博爾扎諾、2023年）、比利時威爾斯當代藝術中心（布魯塞爾、2022年）、摩納哥新國家美術館（摩納哥、2021年）、法國Crédac-伊夫里當代藝術中心（伊夫里＝蘇爾＝塞納、2018年）、瑞士伯恩美術館（伯恩、2014年）、英國Icon畫廊（伯明翰、2013年）。島袋道浩擔任岡山藝術交流2025的「藝術翻譯者」一職。

聲音漫步集錦是一個當代聲音藝術平台，由創始人兼藝術家史蒂芬・克拉西亞諾斯基與製作人西蒙・梅爾利共同創立。該平台邀請藝術家與音樂人輪換合作，開發特定場域與情境的聲音項目，檢驗其在觀念性、文學性及藝術性主題上的表現。長期合作對象包括音樂人帕蒂・史密斯、電影導演尚-盧・高達、攝影師南・戈丁、編舞家莎夏・瓦茲、演員兼歌手夏綠蒂・甘斯柏等。其創作跨越藝術裝置、舞蹈、音樂、電影等媒介，致力挖掘聲音的敘事潛能。最新負責原創配樂的電影《美與血》（導演：蘿拉・柏翠絲）獲2022年威尼斯國際影展金獅獎。2024年，他們於雅典歐納西斯基金會、紐約布魯克林音樂學院（BAM）及麥德林MAMM當代藝術館與帕蒂・史密斯推出新作及表演「Correspondences」。聲音漫步集錦曾在BAM、CCB里斯本、龐畢度藝術中心、CTM音樂節、卡塞尔文件展、柏林KW當代藝術中心、阿布達比盧浮宮、歐洲當代藝術遊牧雙年展、札哈・哈蒂設計的行動藝術館、紐約新美術館、柏林茅草屋Reethaus、TPMM第比利斯、柏林人民劇院等多地藝術機構及音樂節中表演與展示。

一位人類體驗設計師
拉姆丹・圖哈米是一位以巴黎為據點的摩洛哥裔法國設計師和創意企業家，其創作橫跨空間、文化與人類相互作用彼此交匯的多個領域。他超越了單純的品牌建構範疇，創造了一個美學、敘事與空間設計相融合的生態系統。2000年代初期，他創立了法國早期的畫廊兼概念店L’Épicerie。隨後又成功使全球最古老的蠟燭品牌 Cire Trudon重獲新生，並共同創辦了 L'Officine Universelle Buly。圖阿米確立了一種將歷史遺產重構為沉浸式、多感官空間體驗的手法。在他主理的創意機構 Art Recherche et Industrie 中，所有專案皆於內部完成，從物件、室內裝飾、影像、排版、包裝到工具等均由跨領域團隊共同設計並製作。他致力於消融商業與文化、銷售行為與文化儀式之間的界線，打造既能觸動情感又在視覺上精緻洗練的空間。他亦與萊昂納多・韋爾內共同創立畫廊兼出版品牌「Permanent」，為新銳藝術家與實驗性表達形式提供支持平台。2023年，他於瑞士阿爾卑斯山開設了三山酒店 Hotel Drei Berge。2024至2025年，他計劃推動一項涵蓋零售、接待、出版與產品設計等多元領域的企劃，探索與自然建立嶄新關係。此外，圖哈米還開展了一項探索聲音作為空間體驗的項目，推出聲音平台「Pseudo Radio」及其24小時直播節目「Music for Hikers」，藉聲音將阿爾卑斯的孤獨感和興奮感轉化為具象化。透過商店、香氣或聲音等不同形式，拉姆丹・圖阿米的創作始終嘗試為“邂逅”“移動”“意義的產生”這些人類的基本行為重新賦予魔力。

安加拉德・威廉姆斯出生於威爾士曼島，她的作品促使觀衆對支配生活與環境的權力機制進行自省與批判性思考。其多元化的藝術活動涵蓋繪畫、素描、寫作、雕塑、攝影、裝置、電影與行爲藝術，關注隱匿於日常視野中作為投射屏幕或過濾器的形式，這些形式使人類深層的欲望與恐懼得以顯現。這些時而晦澀模糊的表達植根於文本，受權威、安全或設計問題影響，成為個人、社群及其環境主體化的核心。威廉姆斯的作品和展示將這過程視為欲望積累，既是擺脫各種桎梏與禁錮的途徑，也是對人類不穩定之本性、天生的野性及內在的暴力性與感官性的直接觀察。

她的主要個展包括「柏林大街Berlin Straße」Schiefe Zähne（柏林、2024年）、「橡皮擦Eraser」杜塞道夫美術館（杜塞道夫、2022年）、「想像他者Picture the Others」MOSTYN（威爾士蘭迪德諾、2022年）、「高馬High Horse」Kevin Space（維也納、2021年）。群展經歷包括當代藝術博物館（那不勒斯、2024年）、The Wig（柏林、2023年）、沒頂畫廊（上海、2023年）、慕尼黑藝術協會（慕尼黑、2020年），並在蘇黎世美術館（2022年）及KW（柏林、2020年）進行表演。2023年，其作品集《橡皮擦Eraser》由巴黎After8 Books出版。2025年，她將與倫敦Concentric Group及德紹包浩斯基金會合作發行限量版12英吋黑膠唱片。