岡山芸術交流 2025 OKAYAMA ART SUMMIT

1964年出生于法国。现居巴黎从事创作活动。
作品有电影、素描、文字等多种媒介，广受高度评价。
帕雷诺将展览会视为一种媒介，并将其构筑过程置于创作的核心，尝试从根本上去重新定义展示体验。他一直在不断探索如何使展览成为一个“统一的存在”而非作品的集合体之可能性。
在日本，个展“这个地方，那片天空”于2024年在箱根Pola美术馆举行。
近年来的主要展览包括：2025年 慕尼黑“Haus Der Kunst”、 2024年 首尔“VOICES”展（三星美术馆 Leeum）、 2023年 慕尼黑“Marilyn”（路易威登艺术空间）、 2022年 巴黎、皮诺收藏馆、商品交易所穹顶大厅“Echo2：a Carte Blanche to Philippe Parreno”＆马德里、普拉多美术馆“La Quinta del Sordo”、 2019-2020年 东京、Watarium 美术馆“A Manifestation of Objects”、 2017年 上海、外滩美术馆的“Synchronicity”、 2016年 伦敦、泰特现代美术馆、涡轮大厅“Anywhen，Hyundai Commission 2016”、 2015年 纽约、公园大道军械库“H｛N｝Y P N(Y｝OSIS”、 2014年 威尼斯、弗朗索瓦·皮诺基金会、格拉西宫“The I11usion of Light”、2013年 巴黎、东京宫“Anywhere, Anywhere Out Of The World”、2012年 巴塞尔、贝耶勒基金会“Philippe Parreno”等。
此外在欧洲、美国、以及日本、韩国在内的亚洲等各国主要美术馆和画廊，也有丰富的展览经历。
在日本冈山，于2014年以当代艺术展形式参与了“历史城市建设游览型社会实验”项目的一个环节，主题为“Imaginneering OKAYAMA ART PROJECT”。并于2016年以艺术家身份出席了冈山艺术交流。

舍赫拉查德・阿卜德尔伊拉・帕雷诺是一位常驻巴黎的艺术总监兼创意顾问。她曾学习应用美术，于2004年毕业于知名的ESAG Penninghen设计学院。毕业后，她在洛杉矶的电影制片厂开启了视觉传播领域的职业生涯，随后曾在上海和巴林工作，最终回到巴黎。她在时尚与奢侈品的交汇领域耕耘了20年，游走于二维与三维设计之间，为两大领域的创意大师提供咨询建议，并在模式识别、空间记忆、比例掌控及视觉呈现方面展现出独特的才华。在离开公共空间、室内设计及时尚行业后，阿卜德尔伊拉对人类体验及其所处环境产生了更深层次的兴趣，进而开始探索人类最本质的“织物”——皮肤的领域。2018年，她开始研究人体结缔组织的空间效应。她对新技术及其对生物的影响充满热情，尤其关注NASA及面部重建专家所采用的微电流技术及其积极特性。经过在伦敦和巴黎的严格学习，她在巴黎市中心创立了MOMO Skin Studio。这是一个关注心灵的平静与外在景观的表皮即面部之间心理联系的先锋机构。帕雷诺与时尚界艺术界最著名的人物们保持合作，持续为业界带来灵感。

玛丽・安杰蕾蒂跨越雕塑、影像、摄影、绘画、装置等多种媒介自由奔放地进行创作，与日常经验中潜藏的偶然性及意外事件相呼应。她的作品生动鲜明地处理空间、时间、动态以及人类的身体，在其中孕育出游戏感。安杰蕾蒂的艺术项目往往拒绝某种最终定型的完成状态，有时会随着展览的重复而持续演变。其作品接受创作过程中的脆弱性，从而以此贴近生与死的本质状态。

玛丽・安杰蕾蒂是一位法国艺术家，现居纽约。她近年来的展览包括： Gaylord Apartments（洛杉矶、2024年）、Lars Friedrich（柏林、2024年）、Koelnischer Kunstverein（科隆、2023年）。此外，她的作品还曾展出于当代版画中心（日内瓦、2021年）、巴黎市立现代美术馆（巴黎、2017年）、不来梅艺术家之家（不来梅、2015年）、当代艺术中心（第戎、2015年）、格拉鲁斯美术馆（格拉鲁斯、2021年）、苏黎世美术馆（苏黎世、2016年）、Reena Spaulings（纽约、2023年）、Edouard Montassut（巴黎、2020年）、Castillo/Corrales（巴黎、2014年)、Greene Naftali（纽约、2018年）

冈山艺术峰会2025策展人。玛汀・德安格莱扬＝恰蒂隆是一位常驻伦敦的创意制片人，活跃于艺术、电影、时尚与科技的交叉领域。她曾参与了社会实验兼电影巨制《DAU》、拉斯维加斯球形剧场Sphere开幕秀U2演唱会，以及路易·威登的大型时装秀等文化界最具突破性和先锋精神的项目。2004年，她成为伦敦托马斯·丹画廊Thomas Dane Gallery的创始合伙人，专注于电影、影像及数字模拟领域。她被菲利普・帕雷诺任命为冈山艺术交流2025的策展人，目前正参与帕雷诺的长篇电影制作。2021年，她成立了MDAC Productions，帮助国际知名艺术家进军艺术的相邻产业。此外，她还担任伦敦萨默塞特宫及21世纪艺术机构基金会（Art Institutions of the 21st Century, AI21C）的董事，该基金会主要支持AI时代艺术机构的角色、意义与功能的相关研究。

阿尔卡的作品具有超越性和突破性，在艺术家与艺术、人类与科技、前卫与流行，以及音乐、视觉艺术和时尚等领域之间，打破了长期以来被认为不可逾越的障壁，留下了不可磨灭的足迹。2021年推出的KICK系列标志着阿尔卡职业生涯的新阶段，使她从实验性叛逆者的偶像跃升为全球文化现象和拉丁美洲音乐的先锋。此后，阿尔卡获得了两项拉丁格莱美奖提名和一项格莱美奖提名。她曾与让-保罗・高缇耶、罗意威、艾克妮工作室、迪奥、普罗恩萨・施罗、锐步、百瑞德、雷朋、葆蝶家、穆格勒等品牌合作，并参与作曲创作。此外，她还为Lady Gaga、Beverly Glenn-Copeland、劳瑞・安德森的乐曲制作混音，并在巴塞罗那和巴黎的碧昂丝“文艺复兴世界巡回演唱会”、巴塞罗那的麦当娜演唱会及纽约LadyLand音乐节上登场。2023年秋季，她在纽约公园大道军械库进行了驻场表演“变异;毁灭”（Mutant;Destrudo）”。2024年3月，她在巴黎商品交易所表演了作品“光明以声音之名而来”（The Light Comes in the Name of the Voice），并在家乡委内瑞拉加拉加斯举办了首次个人专场演出。之后，她与委内瑞拉的朋友及DJ们合作，在Boiler Room上的演出引起了广泛关注。2019年，阿尔卡开始新的探索，她运用创新型AI软件与菲利普・帕雷诺、尼古拉斯・贝克尔合作，为纽约现代艺术博物馆（MoMA）新大厅打造了一件具有自动生成特性的作品。

小说家。2009年以处女作《流迹》出道，2010年凭该作获得第20届Bunkamura杜马戈文学奖，成为该奖史上最年轻得主。2011年以《贵子永远》荣获第144届芥川奖。

2012至2014年，她参与国东半岛艺术项目，与飴屋法水共同创作演出《入口出口》。2022年，她在“重生艺术节Reborn-Art Festival 2021-22”中，与画家弓指宽治共同展出装置作品《游泳小镇》。

阿尼尔班・班德约帕德赫亚是位于筑波市的日本国立材料研究所（NIMS）的主任研究员。2004年至2005年，他在印度加尔各答科学促进协会（IACS）从事超分子电子学与多层次转换的研究，并获得博士学位。班德约帕德赫亚创造性地开发了基于共振链的完整人脑模型，并提出了以填补共振链空白为关键的替代性人脑图谱。他的研究团队为未来型机器人设计并合成了能够自我学习、编程和解决问题的有机脑胶体，以及能够自主编写复杂代码的软件模拟器。著作有《纳米大脑：从时间晶体制造人工大脑》（Nanobrain: The Making of an Artificial Brain from a Time Crystal，2020年）。

尼古拉斯・贝克尔是电影音效界的多面手，既是音效工程师和设计师，又是拟音师和作曲家。他曾参与多部获奖电影的音效制作，包括阿方索・卡隆执导的《地心引力》（2013 年）、亚历克斯・嘉兰执导的《机械姬》（2014年）、丹尼斯・维伦纽瓦执导的《降临》（2016 年）以及亚历杭德罗・冈萨雷斯・伊纳里图的《巴尔多，少数真相的虚假编年史》（2022 年）等，在全球电影舞台上备受瞩目。贝克尔凭借达里尔斯-马德尔导演的《金属之声》（2019 年）赢得了奥斯卡最佳音效奖。他热衷于收集声音，积累了庞大的音效资料库，为创作提供丰富的素材支持。在声音设计方面，贝克尔精心打造了独特的音响结构，其手法与当代艺术领域密切相关。

詹姆斯・钦伦德是一位屡获殊荣的美国艺术总监，以擅长构建长篇电影和电视剧的世界观而闻名。著名的作品包括《新蝙蝠侠》（2022 年）、《狮子王》（2019 年）、《猩球崛起2：黎明之战》（2014 年）和《梦之安魂曲》（2000 年）等。他还为路易威登、香奈儿、耐克、苹果等公司设计过视频、平面广告和时装秀。目前正在制作《新蝙蝠侠 2》以及由本尼·萨夫迪和菲利普・帕雷诺执导的长篇电影。

玛丽・海伦娜・克拉克是一位综合运用影像、声音、雕塑和摄影进行创作的艺术家。她的作品植根于实验电影，并常常结合蒙太奇与散文式表达，质疑人类与动物、人工与自然、理性与荒诞之间被建构出的差别。她近年来的展览包括：“传送带Conveyor”Bridget Donahue艺廊（纽约、2023年）、“身边的动物Neighboring Animals”Cushion Works（旧金山、2023年）、“绿荫A Green Shade”麻省理工学院李斯特视觉艺术中心（剑桥、2019年）、“开箱：故弄玄虚Unboxing： Doublespeak”底特律当代艺术博物馆（底特律、2019年）、“A Casual Pincer” AWHRHWAR（洛杉矶、2019年）、「Audible Bacillus」 Ezra and Cecile Zilkha 艺廊（卫斯理大学、米德尔敦、2019年）。她的作品曾在圣丹斯电影节、鹿特丹国际电影节、纽约电影节、多伦多国际电影节、香港国际电影节、法国真实电影节，以及2017年惠特尼双年展等多个国际电影节及展会上映。

弗里达・埃斯科贝多于 2006 年在墨西哥城成立了自己的同名建筑事务所。该事务所凭借在母国一系列竞赛中获奖奠定了优势，逐步发展壮大，自2018年获得了伦敦肯辛顿花园年度蛇形画廊临时展馆这一荣誉性委托以来，工作室开始享誉全球。从建筑物和实验性保护项目到临时装置、公共雕塑、艺术装置、出版物和展览设计，她的设计实践跨越多种尺度与表现方式，打破了传统的学科界限。2021 年，埃斯科贝多被纽约大都会艺术博物馆任命为新的现当代艺术区翼楼的建筑设计师，成为该馆历史上最年轻的第一位女性建筑师。此外，她的事务所还被选为负责蓬皮杜艺术中心2030年翻新工程的 Moreau Kusunoki 建筑事务所的合作设计团队。作为建筑师，埃斯科贝多屡获殊荣，除了建筑实践外，她还在美国著名大学的研究生院担任课程。

FABRYX是一个分散型矿物艺术公会，其使命是如同亚马逊的萨满巫师与植物对话一般与矿物进行交流。该公会的成员涵盖艺术家、工程师、设计师、策展人、音乐家、科学家、律师以及各类传统知识的直系传承人。FABRYX的创作结合了古代建筑与现代计算两种巨石文化与微观艺术的智慧，通过激发创造性的洞察力赋予治愈能量。
公会驻地位于法国巴黎以西一小时车程的乡村Les Roseaux的旧炼铜厂。在这里，成员们参与驻留计划与静修项目，并开发了一种融合矿物的领域和视角的创新实验方案——“矿物蒂耶塔（Mineral Dieta）”。该方案由仪式化的排毒与再矿化过程构成，通过采用人工智能的生物反馈技术*定制漂浮舱**「Argo」进行的长时间沉浸式体验所激活。

“矿物蒂耶塔”所生成的数据被用于训练基础AI模型，以支持消费者产品，使用户能够探索意识变异状态和梦境体验。该公会的大部分研究成果均为开源，并为法国一所招收3至12岁儿童的实验性学校提供支持。此外，他们还策划了基于这些方案和产品衍生的展览。

1971年生于日本北海道。
毕业于东京大学工学部建筑学科，2000年成立藤本壮介建筑设计事务所。2014年荣获法国蒙彼利埃国际设计竞赛最优秀奖（白树塔L'Arbre Blanc），此后2015、2017和2018年均在欧洲各国的国际设计竞赛中获得最优秀奖。在日本国内，他担任了2025年日本世博会的会场设计总监，并于2024年被指定为“（暂名）国际中心站北地区综合设施基本设计”项目的主设计者。

主要作品包括：布达佩斯音乐之家House of Music（2021年）、石卷市综合文化设施丸本石卷艺术露台（2021年）、白井屋酒店（2020年）、白树塔L’Arbre Blanc（2019年）、伦敦蛇形艺廊临时展馆（2013年）、House NA（2011年）、武藏野美术大学 美术馆·图书馆（2010年）、House N（2008年）等。

西普瑞安・盖拉德是一位以柏林和巴黎为据点的艺术家。他的主要个展包括：东京宫和老佛爷艺术中心（巴黎、2022年），Fondation LUMA（阿尔勒、2022年），森美术馆（东京、2021年），油罐艺术中心（上海、2019年），Accelerator Konsthall（斯德哥尔摩、2019年），丁格利博物馆（巴塞尔、2019年），K20 北莱茵-威斯特法伦州立美术馆（杜塞尔多夫、2016年）、 尤莉娅・施托舍克收藏馆（杜塞尔多夫、2015 年）、MoMA PS1（纽约、2013 年）、哈默博物馆（洛杉矶、2013 年）、尼古拉・特鲁萨尔迪基金会（米兰、2012 年）、Schinkel Pavillon（柏林、2012 年）、蓬皮杜艺术中心（巴黎、2011 年）、KW当代艺术中心（柏林、2011 年）和巴塞尔艺术馆（巴塞尔、2010 年）。
主要的联展包括：贝耶勒基金会（瑞士、2024 年）、卡米尼亚克基金会（波克罗勒、2022 年）、赫尔辛基当代美术馆（赫尔辛基2022 年）、东京宫（巴黎、2021 年）、尤莉娅・斯托舍克收藏馆（柏林、2021 年）、GAM eC（贝加莫、2021 年）、汉堡火车站（柏林、2020 年）、 第 58 届威尼斯双年展（2019 年）、梵高基金会（阿尔勒、2019 年）、克利夫兰三年展（2018 年）、格罗皮乌斯博物馆（柏林、2018 年）、路易威登基金会（巴黎、2018 年）、ARoS 三年展（奥胡斯、2017 年）、红砖美术馆（北京、2017 年）、赫希洪博物馆和雕塑园（华盛顿特区、2017 年）、海沃德画廊（伦敦、2016年）、第13届里昂双年展（2015年）、第54届威尼斯双年展（2011年）、光州双年展（2010年）和第5届柏林双年展（2008年）。

出生于英国切斯特，现以伦敦与萨福克两地为据点从事创作。
他于2022年当选英国皇家艺术学院雕塑部院士，2019年获得军械库艺术展伯瑞奖，2017年获授大英帝国勋章，2009年获苏黎世艺术奖。
身为新一代观念艺术的实践者，甘德以多样化的风格广为人知。他的作品主题广泛，涵盖从日常物件获得灵感的装置、语言生成的构思，以文化差异为主题的探索等。在这些作品中，艺术始终作为开启新的感知和认知的门户，展现出其能量和可能性。他在“冈山艺术交流2016 开发”中展示了“坠落的陨石”状的作品，吸引了不仅是艺术爱好者，还有一般市民的关注。

代表展览包括：“瑞安·甘德：你让我完整”箱根POLA美术馆（神奈川、2025）、“一起，但并不一样Together, but not the same”福冈酱油画廊（冈山，2025年）、“咕哝、咆哮、呜咽、吠叫与尖叫Grunts, hoots, whimpers, barks and screams” 赫尔加·德·阿尔韦亚尔现代美术馆（卡塞雷斯，2024）、“瑞安·甘德：我们时代的标志”东京歌剧城艺术画廊（2022）、“五亿年合作The 500 Million Year Collaboration”伯尔尼艺术博物馆（伯尔尼，2019年）、 “瑞安·甘德——这对翅膀不是用来飞的”国立国际美术馆（大阪，2017年）等。
他还参加了第10届利物浦双年展（2018年）、第12届哈瓦那双年展（2015年）、第9届上海双年展（2012年）、文献展13（卡塞尔，2012年）、第54届威尼斯双年展（2011年）等多个国际展览。

利亚姆・吉利克于1964年出生于英国艾尔斯伯里，目前在纽约进行创作与活动。
他是一位常驻纽约的艺术家，运用装置、影像、声音等多种形式进行创作。此外，他还是一名优秀的理论家、策展人和教育家。他发表论文和教材、演讲、策展以及项目合作，活动领域十分广泛。吉利克的作品反映了后工业时代的经济、劳动、社会组织的美学等生产条件的变化。揭示了在全球化新自由主义共识下，现代主义遗产在抽象与建筑方面的功能失调，并延伸到对展览这种形式的结构性反思。自 2000 年代后期以来，他制作了多部短片，如《临界时刻Margin Time》（2012 年）、《天堂湖The Heavenly Lagoon》（2013 年）和《汉密尔顿：利亚姆-吉利克的影片》（2014 年）等，从当代艺术家作为文化人物具有不断变化性出发，探讨了创意人物形象的构建问题。2016年3月，哥伦比亚大学出版社出版了其著作《工业与智慧：1820年以来的当代艺术》一书。

吉利克多次参加重要展览，包括卡塞尔文献展、威尼斯双年展、柏林双年展、上海双年展和伊斯坦布尔双年展等，2009年还代表德国参加了威尼斯双年展。个展曾在芝加哥当代艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆和伦敦泰特美术馆等地举办。吉利克的作品被众多重要的公共机构收藏，包括巴黎蓬皮杜艺术中心、纽约和毕尔巴鄂古根海姆博物馆、纽约现代艺术博物馆等。在过去的二十五年里，吉利克还是一位活跃于当代美术领域的作家和评论家。他为《艺术论坛》、《十月》、《Frieze》和《e-flux 杂志》撰稿，并出版了多部著作，其中包括他的评论选集。他为伦敦的英国政府内政部大楼和位于法兰克福的汉莎航空总部等公共空间创作的作品也广受关注。同时，吉利克不断拓展自己的实践领域，与菲利普・帕雷诺、劳伦斯・韦纳、路易丝・劳勒、亚当・彭德尔顿等艺术家展开合作，并在曼彻斯特、都灵和维也纳与摇滚乐队New Order共同举办音乐会，积极投身于实验性艺术实践及跨界合作。

霍莉・赫恩顿与马修・德里赫斯特是以机器学习、软件开发与音乐领域的开创性工作而著名的艺术家。他们开发出自己的技术与他人技术共存的系统，通常侧重于数字身份和声音的所有权及拓展。这些技术框架不仅跨越媒体实现了多样化的作品创作，其本身也被视为一种艺术作品。2024 年，他们在蛇形画廊举办了个展 “The Call”，并参加了惠特尼双年展。他们共同创办了 Spawning，这是一个建设公共领域人工智能模型和数据基础设施的组织。他们的音乐作品通过 4AD 和 RVNG Intl 发行，广受好评。霍莉拥有斯坦福 CCRMA 计算机音乐博士学位，而马修则主要靠自学成才。二人曾在纽约大学、欧洲大学院和博古睿研究院安提凯希拉Antikythera项目中担任教职。他们曾获得 2022年电子艺术节数字艺术启动奖和 2024年奥地利首个数字人权奖。霍莉・赫恩顿目前担任柏林艺术研究项目（2024/25年度）研究员。

1988年通过NHK电视剧《海之群星》正式出道。1993年，在日本电视台的连续剧《她讨厌的她》中首次担纲主演。1997年，为宫崎骏导演的吉卜力动画电影《幽灵公主》中的女主角“珊”配音。出道至今，出演了多部影视作品，亦涉足写作与音乐等众多领域，活动广泛。

近年主要出演作品包括：TBS日曜剧场《再见了指挥大师～父亲与我的热情～》（2024年）、NHK晨间剧《如虎添翼》（2024年）、电影《TOKYO MER～移动的急救室～南海任务～》（8月1日上映）等。

ISOLARII是一家总部设于纽约和伦敦的媒体公司。自成立以来，该公司一直因其试图突破文学领域的既有观念--美学、传播方式及目标等尝试而备受关注。ISOLARII 的书籍呈现了当今许多最激进的团体和人物。其出版作品的作者包括残雪、斯科拉斯蒂克·姆卡松加、罗伯特・库弗、阿特・施皮格曼和爱德华・格里桑等。2020年下半年以来，ISOLARII除了充当环境倡议《Salmon: a Red Herring》（鲑鱼：障眼法）的推动者以外，还在欧洲发行了女权抗议活动象征的《F-Letter》，并制作了从基辅向全球同步发布的战地报道《War Diary》（战争日记）。本次冈山艺术交流2025中，ISOLARII将出版《Decreation》一书，首次编纂了西蒙娜・薇依自1933年起至1943年去世期间写下的所有笔记。

亚历山大·康吉是一位以法国巴黎为据点活动的观念艺术家。他拥有纽约巴德学院的学士学位和伦敦皇家艺术学院的硕士学位。主要参与展览有“Air de Repos (Breathwork)”CAPC波尔多当代美术馆(波尔多、2024年)、Maureen Paley(伦敦、2024 年)、Shivers Only (巴黎、2023 年)、LUMA (阿尔勒、2021 年) 等。即将在Sweetwater (柏林、2025 年) 举办个展。

李美来是一位以创作破旧、滑稽且不稳定的动态雕塑装置而闻名的艺术家。她的作品挑战了自我认同、社会接受度和清洁度的概念，在其令人兴奋、创造性的动态的技术面前，社会对美学和欲望的固有习惯被悄然打破。她最近的个展有：“黑日Black Sun” 新博物馆（纽约，2023年）、“载体Carriers”Tina Kim Gallery（纽约，2022年）、“看，我是一座污秽喷泉为爱疯狂Look, I'm a fountain of filth raving mad with love”ZOLLAMT MMK（法兰克福，2022年）、「载体Carriers」Art Sonje Center（首尔，2020年）等。此外，她被选为2024年10月开幕的泰特现代美术馆涡轮大厅（Turbine Hall Commission 2024）委任艺术家。

奥布里斯特是伦敦蛇形画廊的艺术总监，也是阿尔勒 LUMA 的高级顾问。自1991年举办首场展览“世界汤（厨房展）”以来，他已策划了350多场展览。其中最著名的是“Do It”系列（1993年至今）、“Take Me（I'm Yours）”（伦敦1995年；巴黎2015年；纽约2016年；米兰2017年）、和第14届威尼斯国际建筑双年展瑞士馆（2014年）等。他还共同策划了“移动中的城市Cities on the Move”系列（1996-2000 年）、“Laboratorium”（1999 年）；歌剧群展“Il Tempo del Postino”（曼彻斯特2007年；巴塞尔2009年）“第11、12、13、14、15 个房间”系列（2011-2015年）。他近期的展览包括米兰三年展上的恩佐·马里回顾展(2020)、梅斯蓬皮杜中心的WORLDBUILDING(2023)以及尤莉娅・施托舍克收藏展（杜塞尔多夫 、2022)等等。2011年荣获CCS巴德艺术学院卓越策展奖，2015年荣获国际弗柯望奖。最近，他被美国评估师协会授予 2018年艺术卓越奖。奥布里斯特曾在国际学术和艺术机构授课，并为多家杂志和期刊担任特约编辑。奥布里斯特在世界各地学术机构和美术机构授课，并担任多家杂志及学术期刊的特约编辑。近期的出版著作有《我的策展之道》(2015)、《极端自我：你的年龄》(2021) 和《140位艺术家对地球的想法》(2021)、《爱德华·格里桑：群岛》(2021)、《詹姆斯·洛夫洛克：永恒的盖亚》(2023)、《记住要梦想！》 （2023），《生活进行时Une vie in progress》（2023）等。

普雷舍斯・奥克约蒙是一位尼日利亚裔美国诗人和艺术家。他的作品探讨了自然界、移民与种族歧视的历史以及日常生活中纯粹的喜悦。他曾在苏黎世 LUMA Westbau、法兰克福现代艺术博物馆、纽约表演空间、阿斯彭艺术博物馆、桑德里托·勒·勒巴登戈 Sandretto Re Rebaudengo马德里基金会举办个展。他参加了多个国际艺术展，包括第13届波罗的海三年展（塔林，爱沙尼亚）、第58届贝尔格莱德双年展（贝尔格莱德，塞尔维亚）、第59届威尼斯双年展（威尼斯）、2022年冈山艺术交流（冈山）、第11届序列双年展（雷克雅未克）等。此外他的作品还曾展出于伦敦当代艺术学院（ICA London）、LUMA Westbau（苏黎世）、Schinkel Pavillon（柏林）、LUMA Arles（阿尔勒）、东京宫（巴黎）、第60届威尼斯双年展尼日利亚馆（威尼斯）、贝耶勒基金会（巴塞尔）等机构的群展中。奥克约蒙的作品被法兰克福当代艺术馆和阿尔勒 LUMA 博物馆永久收藏。他还是2021年弗里兹艺术博览会艺术家奖和2021年香奈儿Next Art奖的获得者。2024年，出版了第二本诗集《But Did You Die?》，由蛇形画廊与Wonder Press联合发行。

维瑞娜・帕拉韦尔是一位电影导演、艺术家与视觉人类学家。其作品将艺术所具备的“消极能力”和观察人生流动性的人类学视角，以及当代生态、政治等紧迫问题的关注相结合。
自2006年起，她在哈佛大学的感官人类学实验室（Sensory Ethnography Lab）与吕西安・卡斯坦因－泰勒Lucien Castaing-Taylor共同创作，发展出一套重构当代艺术与人类学研究边界的独特纪录片手法。

代表作包括：《外来零件Foreign Parts》（2010，描绘纽约一处即将消失的废车场中的人物）、《利维坦Leviathan》（2012，呈现人类与海洋资源掠夺的身体性影像体验）、《梦呓Somniloquies》（2013, 由世界最健谈梦游者的梦话录音构成的影像散文）、《啊，人类！Ah Humanity!》（2015，以福岛与人类的脆弱性为主题）、《食人录Caniba》（2017，一部关于人类食人行为的沉思之作）、《人体结构De Humani Corporis Fabrica》（2023,一部史无前例的融合了解剖学、医疗与政治性的有关人类身体的纪实片）等。

她的电影作品曾在柏林、戛纳、洛迦诺、多伦多、威尼斯等国际电影节上映，并被纽约现代艺术博物馆（MoMA）永久收藏。此外，她的作品亦曾在威尼斯双年展、卡塞尔文献展第14届、蓬皮杜艺术中心、泰特美术馆、惠特尼美术馆、巴比肯艺术中心、柏林美术馆、MoMA PS1 等地被推介。
她担任哈佛大学客座教授，并在巴黎政治学院（Sciences Po Paris）政治艺术系任教，2023–24年以驻留艺术家身份在法国勒·弗雷诺瓦国家当代艺术工作室进行创作。

瑞秋·罗斯现居纽约。她的作品探讨了景观与人类关系的变化如何塑造了故事和信仰体系。罗斯的电影不仅借鉴了电影变革的悠久历史，同时也在其中贡献了自己的创新。无论是低温物理学、美国独立战争还是宇航员的太空行走，她的创作始终引导观众关注那些崇高与日常界限模糊的空间与历史。她将这种探索反映至绘画、雕塑和素描，使它们在物质层面相互共鸣，并试图从当下的瞬间连接到百万年尺度的庞大时间流等不同时间层次。她的个展包括：哥本哈根GL STRAND画廊（2023年）；圣塔菲SITE Santa Fe（2023年）；格莱斯顿画廊（2023年）；CC Strombeek（2022 年）；上海池社（2020年）；老佛爷艺术中心（2020 年）；弗里德里希美术馆（2019年）；LUMA 基金会（2019年）；费城艺术博物馆（2018年）；桑德里托·勒·勒巴登戈基金会 (2018年)；布雷根茨美术馆 (2017年)；波尔图塞拉维斯博物馆（2016年）；阿斯彭艺术博物馆（2016年）；惠特尼美国艺术博物馆（2015年）；蛇形画廊（2015年）；里沃利城堡当代艺术博物馆 (2015)等。

迪米塔尔・萨塞洛夫是哈佛大学的天文学教授，研究恒星与行星，同时是哈佛大学“生命起源计划”（Origins of Life Initiative）的创办主任。他的研究从早期宇宙中宇宙微波背景的出现到和地球生命起源相关的光化学实验室实验，探索着光与物质相互作用的机制。二十多年前，他和他的团队利用新技术发现了几颗围绕其他恒星运行的行星，后来他作为 NASA 开普勒和 TESS 任务的联合研究员，将这些技术用于寻找类地行星。他的著作《超级地球的生命》（The Life of Super-Earths,Basic Books,2012）描述了在其他行星上寻找生命的新方法。1988年，他在保加利亚索非亚大学获得物理学博士学位，1990年在多伦多大学获得天文学博士学位。1999年，他成为阿尔弗雷德・P・斯隆研究员（Alfred P. Sloan Fellow），之后荣获NASA两项杰出成就奖、索非亚大学荣誉博士学位、牛津大学阿斯特讲席（Astra Lectureship）等多个奖项，并曾在DLD会议、TED大会、达沃斯世界经济论坛等国际会议上发表演讲。萨塞洛夫是哈佛大学“生命起源计划”的创办主任，这是一项跨越物理科学和生命科学的跨学科研究。他也是西蒙斯基金会“生命起源联合研究计划”的联合创办主任。2023年，他推动成立了国际“起源联盟”，并担任董事至今。他还历任哈佛大学拉德克利夫高等研究院的高级科学顾问，以及世界经济论坛太空安全保障议题全球议程委员会委员。

塞格尔被誉为这一代最重要的艺术家之一，他广受好评的原因源于其前卫的艺术实践——以“构建的情境”作为表现形式。它们转瞬即逝的美在于短暂相遇的特殊性，作品中的“表演者”常常积极参与构建艺术情境，从而吸引并引导观众沉浸其中。他与菲利普・帕雷诺有着长期的合作。塞格尔曾在德国埃森的富克旺根艺术大学学习柏林政治经济学与舞蹈。他的作品在国际上众多个展和联展中展出，著名的有贝耶勒基金会 (巴塞尔、2024年)、 Desert X AlUla(沙特阿拉伯、2024年)、博廷艺术中心(桑坦德、2023年)、加拿大温美现代艺术馆(萨斯卡通、2022年)、小田原艺术文化振兴财团(小田原、2019年)、 Officine Grandi Riparazioni (都灵、2018年)、 V-A-C 基金会（莫斯科、2017年）、贝耶勒基金会（巴塞尔、2017年）；杰马夫纳广场（马拉喀什、2016年）、东京宫（巴黎、2016年）；阿姆斯特丹市立博物馆（阿姆斯特丹、2015年）；马丁·格罗皮乌斯博物馆（柏林、2015年）；圣保罗艺术馆和里约热内卢巴西中央文化中心CCBB（2014年）；尤伦斯当代艺术中心（北京、2013年）；泰特现代美术馆（伦敦、2012年）；所罗门·R·古根海姆博物馆（纽约、2010年）和布雷根茨美术馆（布雷根茨、2006年）等。

岛袋道浩现居日本冲绳县那霸市，是一位活跃于国际艺术界的日本观念艺术家。自1990年代初以来，他游历了世界各地，其作品深深植根于特定场域，关注当地居民的环境、生活与文化。他以探索新型交流方式的行为艺术、影像、雕塑及装置作品而闻名，部分创作更涉及人与生物之间的关系。他的风格充满诗意与幽默，以隐喻的方式激发观众的思考，在国际艺术界备受赞誉。他参加的主要国际展览包括第57届威尼斯双年展（2017年）、第14届里昂双年展（2017年）、第12届哈瓦那双年展（2015年）、第9届台北双年展（2014年）、第11届沙迦双年展（2013年）、第27届圣保罗双年展（2006年）、利物浦双年展（2006年）、第11届悉尼双年展（1998年）等。近年来主要个展有西班牙博廷艺术中心（桑坦德、2024年）、意大利博尔扎诺当代美术馆（博尔扎诺、2023年）、比利时威尔斯当代艺术中心（布鲁塞尔、2022年）、摩纳哥新国家美术馆（摩纳哥、2021年）、法国Crédac-伊夫里当代艺术中心（伊夫里＝苏尔＝塞纳、2018年）、瑞士伯尔尼美术馆（伯尔尼、2014年）、英国Icon画廊（伯明翰、2013年）。岛袋道浩在冈山艺术交流2025中担任“艺术翻译者”一职。

声音漫步集锦是一个当代声音艺术平台，由创始人兼艺术家斯特凡・克拉斯尼昂斯基和制作人西蒙・梅尔利共同创立。该平台邀请艺术家与音乐人合作，开展特定场域及特定情境下的声音项目，检验其在观念性、文学性及艺术性主题上的表现。声音漫步集锦与音乐人帕蒂・史密斯、电影导演让-吕克・戈达尔、摄影师南・戈尔丁、编舞家萨莎・瓦尔茨、演员兼歌手夏洛特・甘斯布等长期合作。其创作跨越艺术装置、舞蹈、音乐、电影等媒介，致力于挖掘声音的叙事潜能。他们最新负责原创配乐的电影作品《美与血》（导演：劳拉・帕特拉斯），荣获2022年威尼斯国际电影节金狮奖。2024年，他们在雅典欧纳西斯基金会、纽约布鲁克林音乐学院（BAM）和麦德林MAMM当代艺术馆，携手帕蒂・史密斯推出新作及表演“Correspondences”。声音漫步集锦曾在BAM、CCB里斯本、蓬皮杜艺术中心、CTM音乐节、卡塞尔文献展、柏林KW当代艺术中心、阿布扎比卢浮宫、欧洲当代艺术游牧双年展、扎哈・哈迪德的移动艺术馆、新美术馆、柏林茅草屋Reethaus、TPMM第比利斯、柏林人民剧院等诸多艺术机构及音乐节中进行表演及展示。

一位人类体验设计者
拉姆丹・图哈米是一位以巴黎为据点的摩洛哥裔法国设计师、创意企业家，其创作横跨空间、文化与人类相互作用彼此交汇的多个领域。他超越了单纯的品牌构建范畴，创造了一个融合美学、叙事与空间设计的生态系统。2000年代初期，他创立了法国早期的画廊兼概念店「L’Épicerie」。此后又成功让世界上最古老的蜡烛品牌 Cire Trudon重获新生，还共同设立了 L'Officine Universelle Buly。图阿米确立了一种将历史遗产重组为沉浸式的多感官体验空间的手法。在其主理的创意机构 Art Recherche et Industrie 中，所有项目均在内部完成，从物品、室内装饰、影像、排版、包装到工具等都由跨领域团队共同设计及制作。他致力于打破商业与文化、销售行为与文化仪式之间的界限，创造出既能唤起情感又在视觉上精致洗练的空间。他还与莱昂纳多・韦尔内共同创立了集画廊与出版品牌于一体的「Permanent」，为新锐艺术家及实验性表达形式提供支持平台。2023年，他在瑞士阿尔卑斯山区开设三山酒店Hotel Drei Berge。2024至2025年，他将开展一项横跨零售、接待、出版与产品设计等多个领域的计划，探索与自然建立全新的关系。此外，图哈米还推出了一个将声音作为空间体验的项目，打造了名为「Pseudo Radio」的声音平台及24小时直播节目「Music for Hikers」，旨在以声音将阿尔卑斯的孤独感和兴奋感具象化。通过商店、香气或声音等不同形式，拉姆丹・图阿米的创作始终尝试为“邂逅”、“移动”、“意义的产生”等人类的基本行为重新赋予魔力。

安加拉德・威廉姆斯出生于威尔士马恩岛，她的作品促使人们对支配我们生活与环境的权力机制进行自省与批判性思考。绘画、素描、写作、雕塑、摄影、装置、电影和表演……她多元化的艺术活动关注那些隐藏于日常视野之中，却充当着投射屏幕或过滤器的形式，它们使我们最深层的欲望与恐惧得以显现。这些有时模糊不清的表达植根于文本，受权威、安全或设计问题的影响，成为个人、社群及其所处环境主体化的主体化的核心。威廉姆斯的作品和展示将这一过程视为欲望的积累，它既是摆脱各种桎梏与禁锢的途径，也是对人类不稳定的本性、天生的野性及其内在的暴力性与感官性的直接观察。 她的主要个展包括“柏林大街Berlin Straße”，Schiefe Zähne(柏林、2024)、“橡皮擦Eraser”，杜塞尔多夫美术馆（杜塞尔多夫、2022 年）；“想象他人Picture the Others”，MOSTYN（威尔士兰迪德诺、2022 年）；“高马High Horse”，Kevin Space，（维也纳、2021 年）。她曾参加过以下群展： 当代艺术博物馆（那不勒斯、2024 年）；The Wig（柏林、2023 年）；没顶画廊（上海、2023 年）；慕尼黑艺术协会（慕尼黑、2020 年）。此外还在苏黎世美术馆（苏黎世、2022 年）和KW（柏林、2020 年）等举行了表演。2023 年，安加拉德·威廉姆斯的作品集《橡皮擦Eraser》由巴黎 After8 Books 出版。2025年她将与伦敦 Concentric Group及德绍的包豪斯基金会合作发行限量版 12 英寸黑胶唱片。